O Ciclo será inaugurado com La Teta Asustada, baseado no mito andino de que as mulheres estupradas durante a violência política no Peru traumatizavam seus filhos ao dar-lhes o seio para mamar. O filme, que arrancou o Urso de ouro no último Festival de Berlim, mistura antigas tradições culturais andinas com a brutalidade causada pelos movimentos de guerrilha recentes e a sua repressão. A protagonista, cuja mãe fora violada, herdou no leite materno (segundo uma tradição inca, o que explica o título) o medo à vida. Mas depois da morte da mãe, a mulher saberá lutar.

Esta longa metragem justifica, desde já, a corrida à bilheteira da cinemateca e a previsão, no próximo dia 29, de uma travessia arriscada pela cidade de Lisboa de forma a reservar um dos melhores lugares da Sala Dr. Félix Ribeiro.

O Ciclo que se inicia com o trabalho da peruana Cláudia Llosa, prosseguirá com o mais recente filme de Arturo Ripstein, um documentário cubano e um filme de Fernando Eimbecke. Destacamos também a oportunidade de assistir a La Cienága (2002) de Lucrécia Martel, realizadora de " A mulher sem cabeça" e que encarna um dos melhores exemplos do moderno cinema argentino independente.

Um ciclo absolutamente indispensável.

Aqui fica o Programa.

Dizem que Steven Soderbergh "omite o homem real e filma o mito político".

Ainda não vi este "Che" pelo que não posso opinar. Mas não me apetece NADA alimentar polémicas acerca d'El Che, d'El Comandante, da ideologia, das consequências, das gerrilhas e dos resultados das revoluções. Apetece, apenas, ir ao cinema. Ver um Soderbergh com um Benicio Del Toro. Apetece matar saudades da América Latina, a América que ainda canta :Hasta Siempre Comandante!

Os Europeus sentam-se à mesa de um café a trocar ideias, os latino americanos sentam-se no chão a traçar caminhos. Por vezes sobem às mesas e dançam, batem com os pés e gritam, choram e amam, arrancam cabelos e cospem quando algo lhes desagrada.

Che e a sua América são tudo isto e, muito mais do que um mito! Esta América desenha no olhar das suas gentes, nas vozes que ainda cantam "aquí se queda la clara, la entrañable transparencia..." o fim de toda a utopia, o fim dos mitos, a morte dos políticos!

Lá vive-se de fervor e de paixão, de melancolia e arrebatamento. O cheiro da América latina é de sangue e suor. Entranha-se na pele como se fosse um veneno ruim, um vício de mascar, de morder e rasgar, de fincar e temer, uma febre de não dormir, um grito de liberdade. Vou voltar, se vou! Vou voltar a esta América que de tão mítica, me quer mais que esta Europa tão política!

Vou começar por ver o filme, se não gostar cuspo para o lado!

Estreia hoje. Façam o favor de levantar esses rabos do sofá. Façam o favor de ir ao cinema! Atentamente e tal.

Mais uma noite em claro para assistir, como manda a tradição, à 81.ª cerimónia dos Óscares! Este ano a expectativa era elevada em virtude do excelente rol de nomeados para as estatuetas douradas. Da lista de nomeados aos Óscares apenas faltou assistir ao Frost Nixon e The Wrestler. O último mês foi passado nas salas de cinema em absoluto deslumbramento com os filmes que tive o privilégio de guardar e que certamente vou rever muito em breve.
Exceptuando os indispensáveis ciclos da Cinemateca Portuguesa (atentem ao ciclo Clint Eastwood, ainda a decorrer) o ano de 2009 arrancou com a A Valsa com Bashir; a Troca; O Estranho Caso de Benjamin Button; Vicky Christina Barcelona; Milk; A Dúvida; Revolutionary Road; The Reader; Slumdog Millionaire; Happy Go Lucky (destaque especial par este grande filme de Mike Leigh).

No fim, feitas as previsões redigi uma lista que gostaria de ter visto aprovada, (que afinal não diverge muito da lista de vencedores da noite passada). Sem grandes análises, destaco especialmente o magnífico trabalho no The Reader, excelente realização de Stephen Daldry (um grande, grande realizador, muito apreciado por estes lados) não retirando o mérito a Danny Boyle (um dos meus realizadores favoritos). Contudo chamar à colação o Slumdog sem referir o trabalho de Fernando Meirelles na Cidade de Deus, seria negar a existência de outras lides no cinema que excedem as escolhas da Academia e ainda bem que assim é.

Merece referência especial o Óscar póstumo a Heath Ledger que desempenhou o melhor Jocker da história do Batman. Uma salva de palmas para a senhora Penélope Cruz que arrecadou, e muito bem, a estatueta dourada agradecendo em castelhano. Só faltou mesmo uma demonstração do seu "Ataque de nervos" (ela bem avisou que poderia desmaiar). Uma ovação a Sean Penn que me deixou sem fôlego pela sua interpretação de Havey Milk e que foi responsável por uma das mais interessantes intervenções da noite, promovendo a reflexão sobre o casamento ente homosexuais, um elogio a Barack Obama e uma particular referência ao regressado Mickey Rourke: “You’re my Brother”. Por fim, e porque não poderia deixar de ser, Kate Winslet! A senhora que tem o privilégio de ter o Sam Mendes na sua vida, já merecia um reconhecimento por parte da Academia. Kate desempenhou um papel extraordinário no filme de Todd Field, Little Children e consagrou-se definitivamente em Revolutionary Road. Mas foi com a magnífica interpretação de Hanna Schmitz, no imperdível romance do escritor e jurista alemão Bernhard Schlink, que Kate colocou de vez as cartas na mesa!
Kate Winslet consagrou-se como mais uma grande promessa num palmarés de luxo que era liderado pela Senhora M. Streep. De resto foi delicioso o discurso de Kate bem como a reacção de Angelina Jolie (que está excelente na Troca de Eastwood): “And I want to acknowledge my fellow nominees, these goddesses. I think we all can't believe we're in a category with Meryl Streep at all”.
Depois da entrega dos prémios, subsiste a imensa curiosidade para o filme de um promissor realizador Daron Aronofsky (já muito apreciado por estes lados). Resta-me agora aguardar com muita expectativa Grand Torino do mestre Eastwood e o regresso de Tarantino.
Resumindo, eis a lista dos meus nomeados que em minha opinião seriam os justos vencedores:
Melhor Filme – The Reader
Melhor Realizador – Stepehn Daldry, The Reader
Melhor Actor – Sean Penn, Milk
Melhor Actriz – Kate Winslet, The Reader
Melhor Actor Secundário – Heath Ledger, The Dark Knight
Melhor Actriz Secundária – Penélope Cruz, Vicky Cristina Barcelona
Melhor Argumento Original – Milk
Melhor Argumento Adaptado – The Reader
Melhor Filme de Língua Estrangeira – A Valsa com Bashir
Melhor Filme de Animação – Wall-E
Melhor Fotografia – Slumdog Millionaire
Melhor Montagem – Slumdog Millionaire
Melhor Banda Sonora – The Curious Case of Benjamin Button
Melhor Canção Original – Down to Earth, Wall-E
Melhor Direcção Artística – The Curious Case of Benjamin Button
Melhores Efeitos Sonoros – The Dark Night
Melhor Montagem de Som – The Dark Knight
Melhores Efeitos Visuais – The Curious Case of Benjamin Button
Melhor Caracterização – The Curious Case of Benjamin Button

The Reader, Stephen Daldry, (2008)

Categoria: Filmes que mudam uma vida...

A melhor interpretação masculina: Sean Penn! Milk, de Gus Van Sant (2009)

David Fincher não pára de me deixar sem fôlego. Depois de Zodiac, este Estranho Caso. Eis sem dúvida um dos meus posts favoritos neste espaço. E porquê? Vejam o filme e oiçam One Dove. "Hope you life a live you'll be proud of"! "Uns foram feitos para viajar, outros foram feitos para serem atingidos por um raio, outros nasceram para serem mães, outros nasceram para recitar Shakespeare, outros foram feitos para dançar".

E se...? Este é um filme que melhor retrata a Teoria do Determinismo. E se David Fincher tivesse encontrado este tema de Antony: certamente seria parte da BSO e não se chamaria One Dove mas sim The Hummingbird (O Colíbri).

Uns fazem cinema, outros cantam...

Deixo cair o pano, não consigo descrever a Beleza porque essa é absoluta! "I hope you live a life you're proud of. If you find that you're not, I hope you have the strength to start all over again."

Depois do primeiro filme do ano de 2009, certamente "um dos Filmes do Ano de 2009", começa assim o Jornal da Noite: “Boa noite, a imagem de hoje é uma imagem de guerra. As forças Israelitas avançam pela cidade de Gaza..."

As notícias não desmentem a continuidade do pesadelo em Gaza. A "Valsa com Bashir" retrata o pesadelo persistente após as memórias do massacre de Sabra e Chatila há 26 anos atrás. Mas esta "valsa" é muito mais que um relato do massacre. É um testemunho, uma mea culpa de um filho de Israel. É um relato de todas as vítimas e forças em conflito na guerra do Líbano na década de 80. É um retrato humano, com as expressões certas, impressões fortes. A invasão de Beirute, os seus protagonistas: as forças em conflito, as gerrilhas, as vítimas. É de uma humanidade absoluta! É quase um filme de época, não fora a continuídade dos conflitos no médio oriente, não fora o pesadelo entre israelitas e palestinianos! É animação, é cinema documental, é peça histórica, é comovente, é absoluto! É silêncio, o silêncio na sala que se segue após os éditos finais dos grandes filmes! É obrigatório. A rever certamente. Filme extraordinário!

"Este é um livro francamente terrível com o qual eu quero que o leitor sofra tanto como eu sofri ao escrevê-lo. Nele se descreve uma longa tortura. É um livro brutal e violento e é simultaneamente uma das experiências mais dolorosas da minha vida. São 300 páginas de constante aflição. Através da escrita, tentei dizer que não somos bons e que é preciso que tenhamos coragem para reconhecer isso."
José Saramago, (Apresentação púbica do ensaio sobre a Cegueira)

Depois de ter escutado uma entrevista com José Saramago na passada sexta feira e de ter anuído à tentação consumista da Viagem do Elefante… lá cedi ao filme. Note-se que as expectativas eram nulas. Após um processo inicial de grande curiosidade, aliada à admiração pelo trabalho de Fernando Meirelles e Julianne Moore, vieram as críticas e os comentários dos amigos… motivos vários remeteram o "Ensaio" para hoje.
Após o filme, no automático regresso a casa, é impossível não recolher memórias remetendo-as para especulações estéticas, recordando mestres da pintura, do cinema e da literatura. Memórias de uma leitura distante mas que me causaram um quadro mental estereotipado que dificilmente algum cineasta, pintor ou fotógrafo poderiam reproduzir.
A primeira reacção no final do filme é pois meramente ensaística. E se o romance de Saramago tivesse sido realizado por D. Cronenberg, e se tivesse sido adaptado por Carpenter, David Lynch, ou mesmo Ingmar Bergman? E se a banda sonora contasse a perfeição de P. Glass, ou mesmo a mestria de Alfred Schnittke?
Poderíamos multiplicar os exemplos, mas o que pretendemos verdadeiramente é centrarmo-nos no fenómeno criação/interpretação. A tremenda responsabilidade de Meirelles ao aceitar o desafio de transpor para o cinema a maior alegoria de Saramago talvez tenha viciado a forma e o espaço, sobrevalorizando o recurso a lugares comuns. A história é confinada quase unicamente à Ala dos Cegos, ao invés de recorrer ao caos dantesco que se instala nas cidades e nos Homens. As personagens não são mais do que arquétipos simples, esquecendo o modelo paradigmático humano das personagens do romance de Saramago. Lembro-me após ter terminado a leitura do Ensaio sobre a Cegueira de ter pensado o enorme sofrimento, a enorme angústia que o escritor terá sentido para compor tamanhas e tão tremendas imagens. Sentia-me eu própria angustiada, enojada, assustada, confessando-me e revendo-me quiçá no interior daquele quadro, reproduzindo os mesmos actos hediondos de algumas das figuras humanas retratadas na Cegueira. Esta é a obra que terá ferido, maltratado, malogrado o escritor. Este é um exemplo de como a obra pode levar o criador ao sofrimento, ao desespero. E quando a obra angustia de tal forma aquele que a cria então sim, estamos perante um fenómeno único de criação.
Não é o que acontece neste filme de Meirelles. Contrariamente à excelente adaptação cinematográfica do livro de Jonh le Carré, contrariamente à saga da Cidade de Deus e da Cidade dos Homens, este ensaio não passa disso, um filme-ensaio. Um filme que tenta aproximar-se da obra sem contudo lhe imprimir as texturas da dor. Seja como for, o desconforto suscitado pelo filme de Meireles é suficiente para levar o leitor omisso a devorar o livro de Saramago, o que por si é meritório.
Com efeito, não é fácil transpor para o cinema a obra-prima. Imagine-se a produção cinematográfica perfeita da obra maior de Cervantes? Quem (senão talvez Tarkovsky ou Sukurov) conseguiria filmar o Crime e Castigo sem necessidade de redenção imediata? Que realizador poderia transpor para cinema um Jardim das Delícias à escala de Bosch, que compositor poderia compor em tons imaculados a obra de Caravaggio (embora Derek Jarman tenha feito um excelente trabalho na sua adaptação). A questão é então determinar se é possível imprimir a mesma qualidade estética em duas formas de expressão artística diferentes.
Qualquer que seja a verdade em relação à liberdade e às potencialidades criadoras do “homem/ artista”, a verdade é que nenhum estado de espírito humano pode permanecer inalterado após o acto terrífico de criar.
O acto de criar é pois distinto do acto de interpretar. Após o acto de Criação o espírito humano toma contacto com outros níveis de realidade que de outro modo lhe seriam inacessíveis. Interpretar por vezes, não vai para além da mera percepção dessa realidade.
Criar implica, um sofrimento atroz. Escrevia Herman Hesse “…o artista sofre pois vê terrivelmente e demais…”
Mas de que vale este “sacrifício” do artista/criador se o interprete não está à sua escala?
Dificilmente alguém pode interpretar e contar aos outros o que ele próprio não terá vivido, mas porque não tentar? E Meirelles tentou e tentou bem. A questão é que o Ensaio sobre a Cegueira é uma Criação que terá dilacerado o seu autor e talvez Meirelles não tenha sentido, ainda com tamanha acutilância, o “aguilhão” da condição humana.
Saramago experimentou o ferrão da condição do Homem, nele se consome e dele se isola. O sofrimento e a solidão são fórmulas perfeitas da criação ou seja, aquelas que levam o Homem a interpretar-se e a criar-se a si mesmo.

“ Durante quatro ou cinco meses dediquei-me, sozinho, a percorrer as cidades perdidas, ou seja os arredores empobrecidos, improvisados, muito pobres, que cercam a Cidade do México. Algo disfarçado, vestido com roupas velhas. Olhava, escutava, fazia perguntas, fazia amizade com toda a gente.” L. Buñuel.

"Alexandra", Alexander Sukurov, 2008

3- Em terceiro lugar, e porque o David Lynch é um mestre, e porque o seu cinema deriva de causas maiores que vão para além dos sentidos, Inland Empire: "lets not try to figure out everything at once".

O início da semana fica marcado pela despedida de dois “poetas da tela” Ingmar Bergman e Michelangelo Antonioni, juntemos também um adeus Michel Serrault…
É…os poetas estão a despedir-se em silêncio. Os testemunhos familiares afirmam que partiram “com serenidade”, e de que outra forma poderiam partir os os que já cumpriram a missão, aqueles que deixaram obra?
Tinha o hábito de dizer que, a par de alguns cineastas como Sukurov, Mikalkov, Sergei Eisenstein e Andrei Tarkovski, Bergman encarnava a alma russa florescida na Escandinávia.
Dizia-o um poeta das imagens, o transgressor incauto do drama das relações humanas, o violador da Pandora das emoções, o guardião do sétimo selo, que resguarda os segredos do sentir mais fundo, o cantor do intimismo e beleza, um realizador metafísico, o código de Bergman.
Há muitas forma de fazer cinema mas é muito difícil filmar com poesia, e fazê-la brotar em cada cena, a cada segundo, a casa suspiro, em cada olhar, nas mistura das cores, nos silêncios cúmplices, na plenitude do tempo, na inevitabilidade do fim. Comparava Bergman a K. Kieslowsky e julgava-os imortais. Estes cineastas selaram um Pacto com o Universo, com o sentir profundamente humano, e o acordo passava pela cláusula única: eu filmo-Te, nunca me deixarás partir!
Iniciada a viagem, fica a poesia aliada à vontade imperiosa de rever Gritos e Sussurros, A Flauta Mágica, O Silêncio, Fanny e Alexander, Segredos das Mulheres, o sublime Persona, o Sétimo Selo. Bergman sempre foi inspirado no teatro, e como se diz nas lides cénicas, uma ovação de pé!
Cá por casa roda uma compilação de composições de Z. Preisner, e alguns formatos VHS vão ser transpostos para outros suportes mais intemporais.

Faleceu o mestre, ficou a obra.